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Debate2en Proceso proyecto video escultura
- Adriana Rojo Cabrera says:
Hola Mariló:
He visto una muestra de trabajos del artista canadiense Owen Eric Wood, que proyecta imágenes sobre sí mismo (aunque a veces utiliza una escultura de sí mismo), y quería compartirla contigo porque me ha parecido interesante (tiene un trabajo en una casa, se ve su imagen «deambulando» por ella, como habitándola, por ejemplo). Explica que: «I experiment with a new process of video production that uses the video projector as a creative tool for image making instead of merely a device for presenting images. I record my face, for example, and project the video image on to my face like a mask; I record this effect; then I project this image on to my face and record; I repeat this process to create images where the same subject is layered on top of itself again and again».
Creo que tienes tu proyecto ya bastante encaminado y para estos experimentos se necesita tiempo, pero te comparto un vídeo en el que presenta varios trabajos por si acaso te aporta alguna idea: https://www.youtube.com/watch?v=ymR3g4eQ0Pw
Un saludo
-
Me parece una propuesta muy bonita y con un buen proceso porque no te quedas en la primera imagen poética (proyectar sobre la casa) sino que vas ajustando la forma para que el sentido no se pierda.
La idea inicial de proyectar a tu familia sobre la fachada de la casa de tus abuelos me ha recordado mucho al trabajo de Shimon Attie (The writting on the wall) por cómo reintroduce imágenes del pasado en los mismos lugares donde esas vidas ocurrieron, como si el espacio “devolviese” presencias que ya no están. De hecho, para mi PR también me habría gustado proyectar sobre paredes reales pero, en cuanto te paras a pensar con calma, aparecen límites muy concretos (necesidad de oscuridad, potencia del proyector, “tener que hacerlo de noche” para que funcione..)
El giro hacia proyectar sobre tu cuerpo y el de tu hijo me parece muy acertado porque cambia la pregunta de “dónde estaba la memoria” a “dónde está ahora”. Creo que ahí la pieza gana una lectura muy clara: lo heredado no vive sólo en la casa, vive en los cuerpos. Y aunque igual llego un poco tarde al debate de ojos abiertos o cerrados, te lanzo una idea que quizá te dé juego: en lugar de proyectar sobre vuestros cuerpos estáticos, plantearía que el cuerpo dialogara con la imagen. Me viene a la cabeza la performance Draw without looking de Joan Jonas, por esa manera de hacer que gesto, presencia y proyección se respondan entre sí. En tu caso, igual podrían funcionar acciones muy sencillas (y no tan teatrales como los suyos): pequeños desplazamientos, un abrazo, apoyar la frente, separarse y volver, respirar juntos… Porque, al final, tú y tu hijo no sois un “soporte”: sois memoria viva, vida y futuro de esa familia que se proyecta.
Espero que te gusten mis ideas y que, si es así, hayan llegado a tiempo. Estoy deseando ver el resultado final!
Saludos!
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Debate2en COMENTARIOS POR PARES PR4
- Inmaculada Sánchez Macías says:
Hola Miguel Ángel! Quiero proponerte sobre todo, en principio, referentes que sumen a tu trabajo, una base teórica. El planteamiento de tu videoinstalación parte de una base conceptual muy sólida: la identidad entendida no como una esencia fija, sino como un proceso condicionado por la repetición, el contexto social y la experiencia. La frase “no soy el cuerpo, no soy la mente”, presente tanto en tradiciones orientales (budismo, hinduismo, taoísmo) como en corrientes occidentales contemporáneas, funciona aquí como eje vertebrador que articula imagen, tiempo y materia.
Uno de los aspectos más interesantes del proyecto es la tensión entre lo estático y lo dinámico. El retrato dibujado —tradicionalmente asociado a la fijación de una identidad, a la captura de un “yo” estable— entra en fricción con la imagen proyectada en movimiento. Esta estrategia conecta directamente con prácticas artísticas como las de William Kentridge, donde el dibujo, al ser filmado y animado, deja de ser una imagen cerrada para convertirse en un proceso temporal, inestable y político. En tu caso, la proyección de rostros superpuestos activa el retrato como un espacio de inscripción, más que como una representación definitiva del sujeto.
La superposición de varios rostros proyectados sobre una misma base remite también al trabajo de Tony Oursler, especialmente en sus instalaciones donde el rostro proyectado desborda el soporte físico y se fragmenta, cuestionando la idea de una identidad unitaria. Aquí, la repetición de gestos, expresiones y la formulación del texto refuerzan la noción de que el yo es una acumulación de capas aprendidas, no una voz original.
En relación con el uso del propio rostro y el de otra persona, se abre una línea de lectura muy fértil: la identidad no solo como construcción individual, sino como algo relacional y compartido. Este planteamiento dialoga con la obra de Gillan Wearing, donde el uso de máscaras y rostros ajenos pone en crisis la autorrepresentación y revela cómo el sujeto se construye desde lo social. El hecho de que los gestos puedan ser observados lentamente, mediante la dilatación del tiempo, permite al espectador reconocer patrones comunes y desmontar la idea de una singularidad absoluta.
Respecto al espacio expositivo, la decisión de situar el retrato en un rincón —activando las diagonales— resulta acertada, ya que refuerza la sensación de focalización y recogimiento, casi como un lugar de introspección. En este sentido, el boceto 4, que integra los dispositivos técnicos (proyector, ordenador, cables), aporta una lectura muy contemporánea: lejos de ocultar el mecanismo, lo expone como parte del discurso. Esta estrategia recuerda a prácticas del arte conceptual y postminimalista donde el dispositivo no se disimula, sino que se convierte en un agente visible del sentido, como ocurre en ciertas instalaciones de Dan Graham o en el videoarte expandido de Peter Campus.
La idea de manipular la velocidad del vídeo es especialmente pertinente. La ralentización del gesto permite una observación casi analítica del proceso de construcción identitaria, algo que conecta con artistas como Bill Viola, para quien el tiempo expandido no es solo un recurso estético, sino una herramienta de conocimiento. Tal como apunta Milagros Grau, alternar ritmos podría enriquecer la experiencia, generando contrastes entre automatismo y conciencia, entre repetición mecánica y momento reflexivo.
En conjunto, todo tu proyecto plantea con acierto una videoinstalación que no ilustra una idea, sino que la encarna: la identidad como algo mutable, condicionado y nunca completamente aprehensible. El siguiente paso podría consistir en afinar aún más la relación entre texto, gesto y tiempo, para que ninguno funcione como mera explicación del otro, sino como capas que se tensionan mutuamente.
Como trabajo en proceso, presenta una dirección clara, coherente y conceptualmente bien fundamentada, con un uso del dibujo expandido y el vídeo que dialoga de forma directa con prácticas consolidadas del arte contemporáneo. Con pequeños ajustes formales y pruebas espaciales, tiene un gran potencial para convertirse en una obra de fuerte carga reflexiva y sensorial. Me parece un buen trabajo, enhorabuena!
Un saludo, - Astrid Pi Laib says:
Hola Miguel Ángel,
Me parece muy interesante tu presentación. Esta construcción de imágenes, formada por capas, nos hace ver que la identidad no es algo estático, sino que el propio devenir de la vida nos va transformando continuamente.
Podrías plantearte la superposición de diferentes imágenes que representen cómo puede sentirse una misma persona —alegre, triste, enfadada, etc.— mostrando así los cambios emocionales que atravesamos a lo largo del tiempo. También podrías enfocarlo desde una perspectiva de identidad de género, donde las personas se expresan, luchan o se manifiestan según cómo se sienten, desean o pueden hacerlo dentro de un contexto social determinado.
En este sentido, el trabajo puede ponerse en relación con Nam June Paik, quien integra la tecnología no solo como un medio, sino como una parte visible y activa del discurso, evidenciando que tanto la imagen como la identidad están mediadas por dispositivos y sistemas, algo muy cercano a lo que tú planteas.
La presencia explícita de los aparatos de proyección refuerza esta idea y evita una lectura ilusoria de la obra, subrayando el carácter construido del sujeto.
Espero con ganas ver tu trabajo finalizado, ánimos,
Astrid
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Debate2en Proceso de la Práctica Final
- Mónica Méndez González says:
Hola de nuevo, Nuria.
He visto ahora las preguntas que planteabas y quería añadir un apunte.
Respecto al control de las sombras, quizás no sean un problema a eliminar del todo necesariamente. Creo que, siempre que no anulen completamente la proyección, la aparición de sombras del cuerpo del espectador podría incorporarse al sentido de la pieza y reforzar esa tensión entre imagen y materia que ya estás trabajando. Delimitar un perímetro puede ser útil a nivel técnico, pero también dejar cierto margen a la interferencia corporal puede enriquecer la experiencia.
En cuanto a la sincronización, quizás no sea imprescindible un ajuste totalmente preciso si lo que buscas es transmitir una sensación de tiempo mecánico y repetitivo. Pequeñas asincronías entre los proyectores podrían reforzar la idea de bucle y desgaste temporal, más que una sincronía perfecta ¿Qué te parece?
Por cierto, me resulta divertido encontrar ciertos paralelismos formales entre tu proyecto y el mío, especialmente en el uso del cuadrado y del metrónomo como estructura temporal, aunque conceptualmente trabajemos desde lugares distintos. Me parece interesante cómo un mismo recurso puede activar experiencias muy diferentes.
Ánimo con la recta final.
Un saludo.
- Nuria Carrasquilla Garcia says:
Hola de nuevo, Mónica:
Te agradezco que vuelvas sobre estos puntos, porque tocas la fibra de lo que me ha tenido dándole vueltas al montaje final.
Sobre la asincronía, tienes razón: una precisión “quirúrgica” podría restarle esa capa de “desgaste” que busco. He pensado que mantendré la luz del proyector alterno encendida, aunque no emita imagen, creando un “vacío lumínico” que busque desorientar al espectador. Creo que esto, sumada a la presencia de esa luz residual ambiental, puede acentuar el concepto de tiempo mecánico y agotamiento.
Respecto a las sombras, como he comentado a Paula, voy a dejar un perímetro que no entorpezca el haz de luz del proyector, pero que no cohíba el movimiento del visitante. De esta forma preservo la videoescultura y el hecho de que el espectador no se encuentre en una sala/habitación oscura sin sentido.
Y qué curiosa la coincidencia con el metrónomo y el cuadrado, sí. Al final, los recursos formales son solo el vehículo, pero es genial ver cómo resuenan entre proyectos, las sensibilidades y la visión de cada una.
Muchas gracias por volver a pasarte y por estas reflexiones, ¡me ayudan mucho!
Nuria
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Debate1en TRABAJO EN PROCESO: TIERRA HERIDA
- Estefania Hormigo Mata says:
Hola Inmaculada,
Te felicito porque tienes super desarrollado y justificado el proyecto a nivel conceptual, ha sido muy enriquecedor ver tanto tu propuesta como los referentes que tienes, lo único que me planteo y por lo que he leído tú también, es si tiene sentido crear una obra que se diferencie según el público al que va dirigido, es decir no crees que podría aunar tu idea para que tenga un público más amplio. Creo que es importante saber hacer un trabajo que llegue a todo el mundo de alguna manera, sin pensar en una especie de público ideal o predefinido, si no fiándote más de tu propio insitinto. Y por otro lado creo también que lo enriquecedor del proyecto sería tanto aunar al público universitario como a la comunidad rural, y más en un caso como este de activismo ecológico por llamarlo de alguna manera, ambos grupos tienen mucho que aprender entre sí y podría generarse unas sinergías muy interesantes.
Un saludo, nos vamos leyendo
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Debate7en Proceso de la obra «Mar nuestro» Videoescultura
- Nuria Carrasquilla Garcia says:
Hola, Bibi:
Con cada propuesta en todo el curso se ha podido ver que tienes tu propia voz: eres poética y sensible. Además, no piensas como práctica o como disciplina, sino como forma de expresión de algo muy íntimo.
Tu decisión de hacer una espiral abierta me parece muy acertada e inteligente, porque creas una escultura integrando la tecnología: la imagen ya no es solo algo que se mira, sino un objeto físico con peso y textura dentro de una instalación tridimensional.
Tu obra me ha recordado al trabajo de Richard Long, pero más contemporáneo por lo digital. También veo una conexión con la sensibilidad de Shirin Neshat en cuanto a la poética y el uso de elementos simbólicos para hablar del tiempo.
Tengo una curiosidad a nivel técnico sobre el montaje: al ser una disposición con piedras y velas, ¿has pensado cómo integrar el cableado de la tablet para que no rompa la estética orgánica del conjunto? ¿O preferirás mantener la pieza “limpia”? Quizá es una buena opción jugar también con todo lo accesorio a lo tecnológico que también se enraíza con lo natural y orgánico.
¡Que vaya muy bien!
Un saludo,
Nuria
- Bibiana Beatriz González Grande says:
Hola Nuria. Muchas gracias por tu comentario. La tablet irá sin cable y la lámpara de sal solo enchufada al toma corriente. No me molesta si se ve un pequeño cable. Exactamente se puede enraizar lo tecno con lo natural. Las velas serán artificiales, funcionan a batería. Para mí era fundamental realizar una videoescultura accesible a recursos básicos y exactamente como dices con inspiración poética. Leí muchísimas veces el contendido de la Pec y se reforzaba la idea que se podía construir algo potente con materiales simples. Ese era mi propósito principal. Luego la obra forma parte de un contexto más amplio, que ya comenzó con la Pec3 el mi video «El canto del mar» y también lo continúo en el taller de fotografía con el archivo fotográfico y la práctica semestral. En sintesís, la videoescultura MAR NUESTRO es la guinda del pastel de muchos años de trabajo sobre el tema del mar. Es una obra que se puede trasladar en una caja y montarla en cualquier sitio.
Te mando un abrazo y gracias.! Suerte con tu proyecto también!
Bibi
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- Amalia Arbeo Rodriguez says:
Hola, Bibiana: Estoy de acuerdo con la mayoría de observaciones que hace Nuria Carrasquilla sobre tu propuesta, sin embargo, a mi me falta más información sobre tus motivaciones al realizar este vídeo. En tu trabajo queda claro el aspecto estético, como por ejemplo, la exposición de las piedras en círculo y la imagen del mar en una plantalla de una tablet o portátil, uniendo la tecnología con la materia, las velas que evocan el aspecto romántico, posiblemente a lo que tu sientes cuando estás mirando el mar, o lo que tú quieres evocar de momentos felices vividos en un pasado. Sin embargo, me falta información sobre el porqué has escogido este tema. y qué autores, personajes, obras videoescultóricas te han inspirado. En definitiva, me ha faltado leer tus reflexiones. Gracias.
Saludos.
- Bibiana Beatriz González Grande says:
Amaia: Otra reflexión. Fui meditando la obra mientras caminaba al mar durante varios días, iban apareciendo las ideas. También volcar las piedras a la mesa fue un nuevo sentir y se fue rearmando el concepto. Como dice Nuria puede haber un recuerdo a Long. Me inspira la poesía de mar de diferentes autores. Leo mucha poesía y también la escribo. Ésta es referente a la obra Mar Nuestro.
Mar nuestro, en la noche del comienzo,
te abriste sin promesa ni reclamo;
no pediste razón de lo que damos,
siempre fuiste sostén, silencio inmenso.Llegamos con sosiego y paso lento,
buscando tu roca conocida,
y allí el cuerpo, en paz reconocida,
halló respiración, pulso y cimiento.No curas todo, mar, pero sostienes,
ordenas lo que tiembla en lo profundo
y enseñas a estar sin estridencias.Por eso al comenzar, regresamos,
buscando tu azul manso y fecundo:
mar nuestro, donde respira la vida.Otro abrazo
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- Bibiana Beatriz González Grande says:
Hola Amaia
Gracias por tu comentario. Las motivaciones son muchas. Lo he descripto en las primeras líneas del Abstrac. De todas formas te comento que vengo trabajando con el tema del mar desde hace muchos años en diferentes áreas: fotos, videos, poesía, relatos, diarios y ahora la corona es la videescultura MAR NUESTRO.
Te mando un abrazo. Bibi
- Amalia Arbeo Rodriguez says:
Hola, Bibiana: Leyendo tu poema entiendo mejor tu proyecto y tu sensibilidad artística al realizar esta composición videocreativa. Muchas gracias por tus explicaciones.
Saludos.
- Bibiana Beatriz González Grande says:
Muchas gracias Amaia nuevamente. Te deseo mucho éxito en tu proyecto también. Saludos. Bibi
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Debate3en Pr 4. Videoinstalación
- Astrid Pi Laib says:
Hola Paula,
Me parece un proyecto muy potente por cómo parte de una experiencia personal real para trasladarla a una dimensión colectiva, sin recurrir a una narración literal ni documental. La elección de la melfa, la arena y el tiempo detenido construye un estado de espera que se percibe de forma física y emocional.
Como posible línea a explorar, quizá podrías plantearte introducir alguna fotografía o fragmento de vídeo del niño saharaui con el que conviviste durante esos años, no tanto como testimonio directo?. Esto podría reforzar el vínculo personal desde el que nace la obra y hacer aún más visible que esta espera colectiva tiene un origen concreto y vivido, sin convertirlo en un relato biográfico explícito.
El trabajo puede ponerse en diálogo con Bill Viola, especialmente por el uso del tiempo ralentizado y la repetición como herramientas para generar estados de contemplación y espera,
Me parece un trabajo muy interesante y espero poder ver pronto, ánimos
Astrid- Paula Gómez Fernández says:
Hola Astrid,
muchas gracias por tu lectura y por el feedback, me alegra mucho que el proyecto se entienda desde esa dimensión física y emocional de la espera.
Lo que planteas sobre introducir una imagen del niño o de una experiencia concreta me parece muy interesante, y de hecho fue algo que me cuestioné al inicio del proceso. Finalmente decidí no incorporar imágenes biográficas directas porque me interesaba que la experiencia personal funcionara más como un punto de partida invisible y no como un elemento identificable dentro de la instalación. Me preocupaba que la presencia de un rostro o una historia concreta desplazara la atención hacia lo testimonial o lo narrativo, cuando la intención era insistir en la espera como una condición colectiva y estructural, más que como un recuerdo individual.
Aun así, tu comentario me parece muy pertinente y me sirve para seguir pensando hasta qué punto lo personal puede estar presente sin volverse explícito, y cómo ese equilibrio afecta a la lectura de la obra.
Gracias también por la referencia a Bill Viola, que efectivamente ha sido un referente importante en la obra.
Gracias de nuevo por el ánimo y por el diálogo,
un abrazo
Paula
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- Rosa Maria Bascón Barrera says:
Hola Paula,
Tu propuesta es muy interesante, está muy bien reflejada en tus explicaciones, y podría perfectamente estar incluida en una exposición sobre el tema que tratas, personalmente pienso que todos los videos que muestras se adaptan muy bien a tu propósito. Intervenir proyecciones en la tela es muy acertado y el texto que recitas es un mensaje vivido y se refleja en él.
Sin duda podrías recitarlo tu, como sugerencia también incluiría como fondo o anexo un audio de las voces de los niños saharauis así no personalizarías en tu propia experiencia sino la haría más generalizada, ellos también son los protagonistas junto a tí.
Pero, aunque pusieras el rostro de este niño que se ya se ha hecho adulto, también sería muy acertado ver este recorrido a través de sus fotografías en el tiempo.
Estoy de acuerdo con Astrid, que dialoga conceptualmente con Bill Viola.
Con ganas de ver tu propuesta,
Un saludo
Rosa
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Debate0en ¡Bienvenidos y bienvenidas!
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Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.
Hola, María Samantha.
Me encanta tu proyecto. Tiene potencial educativo y artístico. Me gusta cómo has unido las tres piezas importantes de una obra conceptual: el espacio, la simplicidad de la obra y el potencial del mensaje.
En cuanto a los videos que has encontrado en Internet, en algunos se perciben las miradas bastante tranquilas. Por lo que estás describiendo en tu proyecto, quieres añadir unos gestos de burla, comentarios ofensivos sobre las fotos que gente escriba en las redes sociales, etc. Creo que puedes probar a grabarte a ti misma, pero escogiendo solo la zona de labios, diciendo algunos insultos, exagerando el gesto o la mirada. O también de otras personas; al final necesitas grabar solo los ojos y los labios.
En caso de la dificultad que comentas, la posible superposición del sonido, estoy totalmente de acuerdo contigo. Es más fácil grabar solo un video, pero si vemos los trabajos de Nam June Paik, en cada una de sus obras utiliza varios videos. Bueno, justo en la obra TV Garden (1974) se ve el mismo video en todas las pantallas.
Creo que puedes combinar dos videos cortos y, calculando bien el tiempo de cada uno, montarlos para que vayan sonando uno por uno. Es decir, cuando el primero para de hablar, el segundo empieza a expresarse y, mientras tanto, se cambia la imagen en el primer video y, para cuando el segundo deja de hablar, el primero vuelve a hablar. Como si fueran dos dispositivos hablando, burlándose del espectador.
Un saludo.
Natalia.
Mil gracias por tu comentario Natalia, opino lo mismo de las miradas en los vídeos, no son exactamente las que estaba buscando pero con el paso de los días he ido encontrando algunas más violentas que me parecen más adecuadas al sentido de la obra. Gracias por las sugerencias, también había pensado en grabarme a mí misma, y en cuanto al sonido, lo tendré también en cuenta.
Hola! Tu propuesta me parece especialmente potente por situarla en un aula de informática de un centro educativo. No es sólo un lugar donde colocar pantallas sino que es uno de los espacios donde muchas de estas dinámicas se aprenden, se normalizan y circulan. En ese sentido, la instalación no habla sobre la violencia en redes desde fuera, sino desde un entorno cotidiano y reconocible para el alumnado y eso refuerza mucho su sentido social y educativo.
Mientras leía tu descripción, me vino a la cabeza Dan Graham por cómo planteas al espectador: no como alguien que mira desde fuera, sino como alguien expuesto. En Performer/Audience/Mirror el público pasa a ser parte del dispositivo, observado y descrito y en Present Continuous Past(s) aparece esa sensación de bucle y de presente que vuelve una y otra vez. Tu disposición en cuadrado y la idea de estar rodeado generan algo parecido: una presión sostenida que se parece mucho a cómo opera la crítica repetida en redes.
Sobre el sonido, entiendo la dificultad que comentas y se me ocurre que puede resolverse de una forma coherente con la instalación: en vez de un flujo continuo, lo imagino con varios focos de audio en el espacio. Que al recorrerlo te lleguen cosas diferentes: susurros por un lado, una risa más lejos, de repente un insulto aislado detrás, y otra vez ese murmullo. Aquí me parece clave jugar con oleadas de sonidos y micro-silencios: ese silencio breve, cuando ya estás en tensión, puede ser incluso más violento que seguir gritando, porque te deja esperando el siguiente golpe.
También me parece interesante introducir en algún momento un gesto de alguien herido (por ejemplo, unos ojos llorando) en una pantalla central o especialmente visible, para abrir una grieta de empatía sin caer en lo literal.
Y, al ser en un centro educativo, creo que sumaría mucho un cierre que invitara a la reflexión, algo sencillo al salir: una pregunta corta en la puerta, una frase, o una invitación a pensar qué hacemos cuando vemos esto.
Espero que alguna de mis ideas te sirva, estoy deseando ver tu instalación final.
Saludos!
Hola Tamara, gracias por tu comentario tan constructivo y detallado, agradezco todas las sugerencias y que te hayas tomado el tiempo y el esfuerzo en darme este feedback. Gracias por las sugerencias, tomo nota de todas ellas ya que me parecen bastante acertadas y que podrían mejorar mucho el resultado. En cuanto a la reflexión final, yo siempre suelo hacer eso con el alumnado aunque no pensaba hacerlo formar parte de la obra, pero sí se podría plantear que al salir hubiese un papel continuo blanco en el que pudieran expresar cómo se sienten al ser juzgados en la red. Gracias nuevamente, un saludo.