In memoriam

In memoriam es mi propuesta para esta última actividad de práctica.

En un primer momento, la idea consistía en proyectar fotografías y vídeos de algunos miembros de mi familia (pieza de video creación) que ya no están (a veces acompañados de otros que siguen estando) sobre la fachada de la casa que en otro tiempo reunió a muchos de ellos: la casa de mis abuelos, en el pueblo natal de mi madre. Hoy ese lugar permanece semiabandonado, necesitado de una reforma que, por diversos motivos, nunca llega.

Imagen 1. Fachada casa de mis abuelos

La propuesta surgía como un gesto de recuperación simbólica recíproca: devolver vida, aunque fuera de manera efímera, a un espacio cargado de memoria afectiva y volver a ver allí a las personas que habitaron ese espacio: la casa, las calles, el pueblo.

Imagen 2. Ejemplo de una foto familiar antigua: mi madre y sus hermanos

Imagen 3. Calle de la casa de mis abuelos

Esta línea de trabajo enlaza directamente con la actividad anterior dedicada a la memoria —la que más inspiración me ha despertado—, evocando aquellos encuentros en los que la casa se llenaba de voces, celebraciones y unión familiar. Aprovechando que este año, en Navidad, volvimos allí mi hermano y yo junto con otros familiares y amigos, concebí la proyección como un homenaje íntimo y, al mismo tiempo, colectivo, abierto incluso a los transeúntes del pueblo que pudieran reconocer a las personas retratadas.

La propuesta, aunque sencilla en su planteamiento, poseía para mí un fuerte componente simbólico y emocional que no se limitaba a mostrar imágenes, sino a buscar dialogar con el espacio arquitectónico, con la memoria que contiene y con quienes lo habitan o lo atraviesan.

En la imagen 4 muestro en una ilustración (realizada con IA, ChatGPT) cuál era la idea de esta proyección de vídeo expandido.

Imagen 4. Recreación con IA de la idea del proyecto inicial  

Sin embargo, tras reflexionar profundamente sobre la viabilidad técnica y conceptual del proyecto y asumiendo que durante los tres días de mi estancia en el pueblo no dispondría de los medios necesarios (proyector, cables, ordenador, montaje final del vídeo) para realizarla en la fachada original, pensé en trasladar la proyección a una pared exterior de mi propia casa, utilizándola como símbolo de la de mi abuela.

Pero, durante este proceso de búsqueda, comprendí que proyectar las imágenes simplemente sobre una pared de mi casa no lograba expresar el sentido profundo que deseaba. A partir del comentario crítico y constructivo de la profesora, encontré una solución más coherente con el propósito de crear una vídeoescultura. En lugar de utilizar una pared o una fachada como soporte, he decidido proyectar las imágenes sobre mi hijo y sobre mí.

Esta elección nace de una convicción íntima: la memoria de quienes ya no están no reside únicamente en los espacios que habitaron, sino que permanece viva en nosotros —en nuestros cuerpos, en nuestros gestos, en nuestras almas y en los vínculos que seguimos tejiendo con su ausencia. La proyección, así, se convierte en un acto de continuidad generacional, un diálogo entre presencias y ausencias que se actualiza sobre la piel de los descendientes.

Es difícil representar esto en un boceto, pero, aproximadamente debería ser algo semejante a lo que muestro en la imagen 5.

Imagen 5.  Boceto de la idea final de la video escultura

Originalmente había pensado en hacerlo estando mi hijo y yo de espaldas, pero creo que es más coherente hacer coincidir, en algunas imágenes, los rostros de los antepasados sobre los nuestros. Para ello, la altura a la que colocar el proyector será clave. Debo aún hacer pruebas para establecer la distancia precisa entre el proyector y nosotros. Tanto en estas cuestiones técnicas como en otras vuestras opiniones me resultarán muy útiles. Por ejemplo, ¿debo utilizar algo de música o mejor dejar las imágenes como si se tratara de un pase de diapositivas? ¿Mejor cerrar los ojos o mantenerlos abiertos a pesar de la luz del proyector?

Os animo a compartir vuestras ideas conmigo.

Muchas gracias de antemano.

La idea que quiero expresar ayudándome del vídeo y el dibujo expandido, es que el ser esta formado por diferentes condicionamientos sociales aprendidos, por repetición, contexto, idiosincrasia. Etc. Para ello proyectaré dos o tres rostros sobre una misma base, un retrato, que es un referente del cuerpo, la materia.

Me baso en la idea de “no soy el cuerpo, tampoco soy la mente”, presente en diversas filosofías orientales y occidentales como el hinduismo, el budismo o el taoísmo, que entienden la identidad como un proceso y no como una forma fija. La superposición y repetición de los rostros proyectados sobre el retrato pictórico actúa como metáfora de la construcción del yo, entendido como una acumulación de aprendizajes, gestos y condicionamientos. De este modo, la videoinstalación cuestiona la idea de una identidad y propone una imagen del ser como algo, que cambia y que es condicionada

Una vez empiezo el proyecto, pienso que podría utilizar un retrato que he dibujado, en el que expreso tanto propiedades de textura, de volumen, psicológicas etc, como objeto sobre el que proyectar la imagen expandida, en este caso mi rostro y el de otra persona.

Relacionar el dibujo y la imagen proyectada de un persona formulando la frase: «No soy el cuerpo, no soy la mente», podrá establecer nuevas posibilidades de expresión, y hacer surgir un diálogo entre ambas que de manera individual, sería diferente.

Este tipo de dibujos siempre han sido imágenes estáticas, al proyectar sobre él, este el rostro en movimiento, le otorga una característica casi opuesta a su propia naturaleza, además de añadir un tiempo en el que se desarrolla la escena.

Retrato dibujado

Boceto 1: Proyectar sobre dibujo

Boceto 2: Espacio en el que proyectar

Boceto 3. Espacio sobre el que proyectar.

Pienso en posicionar el retrato en un rincón de la habitación, creo que la confluencia de las diagonales hará que espectador focalice su mirada en este lugar. A disposición de el boceto 1, me parece más rígida.

Boceto 4.

Idea de introducir los objetos que permiten la proyección, dentro del mismo espacio, ordenador, proyector, cables. Para que el espectador no fije su atención en descubrir como se realiza la acción, y se focalice en la obra. Además de dar protagonismo a los agentes que la permiten.

• Otra idea es recurrir al recurso expresivo de dilatación del tiempo, modificando su velocidad, haciendo que transcurra de manera más lenta la reproducción del video, pudiendo observar los gestos, y la formulación del texto,  dando lugar a mayor reflexión y la posibilidad de recalar en como se producen estos gestos y descubrir su naturaleza compartida.

Hola, clase:

La videoinstalación llevará por título “Vacío cíclico”. Será un híbrido (Videoinstalación/Videoescultura) que explora la tensión entre la máscara social (secuencia de sonrisas en loop) y la verdad inamovible (la roca sin pulir).

La obra se basa en el Video Expandido y proyección multicanal (dos proyectores) para simular el paso cíclico del tiempo, estableciendo una linealidad de la máscara que se deforma al proyectarse sobre el soporte irregular. Se han aplicado los recursos expresivos de iluminación, ambiente (luz contrapicada, temperatura fría) y Música/Sonido/Ambiente (audio de agua rebobinado en loop) para inducir en el espectador un estado de alerta y, a la vez, de rechazo hacia el convencionalismo en los usos de las sonrisas.

Asimismo, la habitación/sala estará a 5 °C más fría que en el exterior. De esta forma se prepara al espectador para la “dureza” de la roca y la “frialdad” de la máscara social. Más que denunciar la falsedad de la sonrisa, la obra explorará la tensión inevitable entre lo que mostramos y lo que somos.

Lo radical de la propuesta no está en la imagen proyectada en sí misma, sino en la forma que esta se materializa en el soporte, que no la acepta ni la devuelve de forma pulida. De este modo, el sentido de la obra no emerge de lo que se muestra, sino de cómo la materia transforma y violenta la proyección, desplazando el foco desde la imagen hacia el dispositivo y el proceso.

Estado Actual: estoy en la fase de prueba técnica de la proyección y el audio.

Materiales y proceso 

1. Bocetos: Aquí muestro los diagramas de planta y frontal que muestran la ubicación de la roca y la disposición de los proyectores. De esta manera se muestra la estrategia multicanal y el recorrido de la proyección (simulando el ciclo del metrónomo y del paso del tiempo). Asimismo, se representa la libre circulación del espectador.

2. Dibujo simulación: imagen de cómo imagino que se verá proyectado de creación propia realizada con el programa Krita.

3. Audio agua:

Guillermo_de_La_Matera. (2025, 21 de marzo). Caída de agua de lluvia desde la canaleta del techo (Rainwater falling from the roof gutter) [Archivo de audio]. Freesound de licencia libre.

4. Audio editado rebobinado

5. Roca calcárea: La decisión de una roca calcárea es por proximidad y por su porosidad, ya no solo a nivel físico o material, sino también conceptual. De este modo, absorbe la luz y las sonrisas se perpetúan en el objeto geológico.

6. Proyectores

7. Aro de luz: lo usaré para emitir una luz ambiental en la instalación. Esta será contrapicada y tenue para enfatizar la ingravidez y la extrañeza.

Dudas, Dificultades y Puntos a Revisar

Me gustaría recibir vuestro feedback sobre unos temas que considero importantes:

1. Sincronización Multicanal: ¿Cuál crees que sería la mejor forma de establecer la sincronización para mantener la sensación de movimiento del metrónomo y simular así el paso del tiempo?
2. Control de las sombras: ¿creéis necesaria la opción de establecer un perímetro de distancia frente al objeto escultórico para evitar sombras?

Agradezco mucho vuestras aportaciones.

¡Feliz año a todxs!

Estado de la cuestión. Estado de la videocreación.

Propuesta inicial: Abstract

Esta videocreación de protesta ecológica se articula como una acción audiovisual crítica contra el proyecto de cantera junto a la Reserva natural de Castronuño-Villafranca de Duero y su impacto ambiental. La pieza se basa en la proyección de imágenes de aves protegidas de dicha Reserva sobre la obra Bosque herido, ubicada en el Campus de Segovia, estableciendo un diálogo simbólico entre naturaleza dañada y espacio universitario. De forma alterna y disruptiva, se incorporan imágenes de explotación minera, cuyas texturas visuales y ritmos violentos contrastan con la fragilidad de la fauna.
El diseño sonoro fusiona cantos de aves y sonidos industriales, generando una tensión perceptiva que apela a la conciencia ecológica del espectador. La intervención se presenta en el hall del campus, dirigida tanto a estudiantes de Educación como a la Universidad de la Experiencia, reforzando su carácter pedagógico e intergeneracional.
Teóricamente, la obra dialoga con las proyecciones arquitectónicas de Krzysztof Wodiczko, al utilizar el espacio público como soporte de denuncia social. Asimismo, comparte afinidades con Pipilotti Rist en el uso inmersivo de la imagen proyectada y con las prácticas eco-críticas de Ursula Biemann en la relación entre territorio y poder. La pieza se inscribe así en una tradición de videocreación expandida donde arte, activismo y educación convergen como forma de resistencia ambiental.

En qué parte del proceso estoy: Hasta el momento he completado el rodaje del esqueleto audiovisual de la videocreación, lo cual constituye la base sobre la que se asentará todo el proceso de producción y análisis. Me encuentro actualmente en la fase de edición, en la cual se están organizando los materiales visuales y sonoros para dotarlos de coherencia narrativa y funcionalidad expresiva. El siguiente paso consiste en conjugar este ensamblaje audiovisual con un diseño educativo ampliado (ANEXO X), que trascienda la mera experiencia estética para incorporar un componente de interconexión social y pedagógica.
La propuesta se articula bajo la noción de videocreación site neutral, aprovechando mi posición institucional como profesora universitaria en Segovia para generar puentes entre contextos formativos y realidades socioambientales externas. En este sentido, se plantea una segunda fase educativa cuyo objetivo es activar la interrelación entre mis estudiantes universitarios y las personas afectadas por la problemática ambiental de Castronuño- Villafranca de Duero.
Este encuentro puede establecerse mediante conexiones en línea sincrónicas o asincrónicas, facilitando una comunicación fluida y bidireccional entre los participantes. Alternativamente, se contempla la posibilidad de visitas presenciales adjuntas a la instalación o proyección de la videocreación, siempre en consonancia con los protocolos institucionales y las necesidades de las comunidades implicadas.

Dudas o dificultades con las que me encuentro:

1. Cómo implementar la edición para aportar coherencia narrativa y funcionalidad expresiva. Dicha edición deberá ser coherente con el siguiente punto 2.

2. Me enfrento actualmente a una serie de dudas y dificultades derivadas del diseño educativo de la videoinstalación que atañen al propio concepto audiovisual. (ANEXO X). En particular, la interconexión entre el público universitario y el público rural puede plantear retos significativos debido a diferencias en el acceso y uso de herramientas digitales. La baja inercia informática en muchos contextos rurales es un factor que podría limitar la participación fluida en actividades mediadas por tecnología. A esto se suma el hecho de que una videoinstalación es, en sí misma, un formato relativamente innovador para audiencias rurales, que puede requerir mediaciones didácticas adicionales. La principal duda radica en si sería más efectivo ceñirme exclusivamente a uno de los dos públicos, optimizando la intervención educativa en un solo contexto. Alternativamente, podría optar por un diseño que abarque ambos públicos de forma simultánea, pero sin intentar forzar una interconexión directa entre ellos. Esta segunda opción permitiría respetar los ritmos y modos de cada grupo, evitando posibles barreras tecnológicas o culturales. Sin embargo, ello implicaría renunciar a uno de los objetivos iniciales del proyecto: la construcción de puentes comunicativos entre espacios diversos. Por otro lado, centrar esfuerzos en un solo público podría maximizar el impacto y la calidad del aprendizaje experiencial. Esta decisión también afecta la planificación de recursos, tiempos y estrategias de mediación educativa necesarias para cada contexto.

ANEXO I. Reivindicación social.

El proyecto para la construcción de una mina a cielo abierto en los términos municipales de Castronuño, Villafranca de Duero y Toro, en las provincias de Valladolid y Zamora, ha despertado las críticas del movimiento social. Se han presentado alegaciones por irregularidades, administrativas y legislativas, en el plan impulsado por la Junta de Castilla y León. “Permitir la investigación y explotación de esta macrogravera, con licencia para extraer áridos a su antojo en un área de 3.000 hectáreas, sería condenar el futuro de los pueblos afectados”, afirma Juan Gascón, coordinador de la Plataforma Social.

El plan obvia la legislación vigente en materia de protección y conservación de la reserva natural de Las Riberas de Castronuño-Vega de Duero, único parque natural de la provincia de Valladolid. Izquierda Unida denuncia, además, que el perímetro de la malla minera no guarda las distancias mínimas de seguridad con las poblaciones de Castronuño y Villafranca de Duero. La inhalación del polvo de sílice, un agente cancerígeno liberado por este tipo de instalaciones podría causar graves riesgos en la salud de sus habitantes.

ANEXO II. Concepto inicial (actualmente redimensionado según la propuesta inicial)

En lugar de mostrar el documental en una pantalla plana, proyectaremos la imagen sobre el propio material que está en disputa: la arena/tierra. Esta instalación busca que el espectador sienta físicamente la amenaza de la mina sobre el entorno natural. Se juega con el concepto de videoescultura o proyección sobre objetos.

ANEXO  II Bis.  Idea inicial (actualmente redimensionado según la propuesta inicial)

Se coloca en el suelo (en una esquina de la habitación o sala) un pequeño montón de arena de construcción o grava. Un proyector (puede ser un pico-proyector o uno estándar) se coloca en el techo o en un trípode alto apuntando cenitalmente (hacia abajo) sobre la arena, si no se consigue enfoque cenital, se haría enfoque frontal.

La Imagen: El video proyectado muestra las aves de la reserva y el agua del río. Al proyectarse sobre la arena irregular, o madera rugosa, la imagen del agua y las aves se ve «rota» y texturizada por el mismo material que se quiere extraer.

El Audio: Sonidos de maquinaria pesada y excavación que interrumpen bruscamente el canto de los pájaros. Sonidos de voz humana, de protagonistas narrando ad hoc de la obra o su tema.

ANEXO  II Tre.  Idea inicial alternativa

El montaje de videocreación presenta una secuencia de acciones y proyecciones en un entorno ferroviario y natural. En la primera parte, una joven al atardecer observa aves protegidas que vuelan entre la niebla sobre el puente del tren situado en el embalse. A continuación, un hombre recorre de noche aproximadamente cien metros de la vía ferroviaria hasta llegar a una estación de tren abandonada contigua. En este espacio, sobre un muro, se proyectan imágenes de aves y excavadoras de la cantera, superpuestas en una misma superficie. La proyección se acompaña de un sonido disruptivo que combina ruido industrial con una atmósfera densa. La escena se desarrolla en condiciones de niebla y oscuridad nocturna, incorporando la presencia visual del fuego como elemento ambiental y simbólico.

ANEXO III. Descripción del Montaje inicial (actualmente redimensionado según la propuesta inicial)

Se coloca en el suelo (en una esquina de la habitación o sala) un pequeño montón de arena de construcción o grava. Un proyector (puede ser un pico-proyector o uno estándar) se coloca en el techo o en un trípode alto apuntando cenitalmente (hacia abajo) sobre la arena.

La Imagen: El video proyectado muestra las aves de la reserva y el agua del río. Al proyectarse sobre la arena irregular, la imagen del agua y las aves se ve «rota» y texturizada por el mismo material que se quiere extraer.

El Audio: Sonidos de maquinaria pesada y excavación que interrumpen bruscamente el canto de los pájaros.

ANEXO IV. Ubicaciones posibles:

Se evalúan dos estrategias de espacialización para el dispositivo videoinstalativo: una inserción en locus formales bajo el formato de black box, frente a una configuración mixta que busca la especificidad del sitio (site-specific), situando la obra en las inmediaciones del territorio afectado para potenciar su resonancia contextual.

ANEXO V. Ficha Técnica: Idea inicial (actualmente redimensionada según la propuesta inicial)

ANEXO VI. Ejemplos antecedentes conceptuales: videoinstallation waste art

La artista francesa Élise Morin y la arquitecta Clémence Eliard han utilizado 65 000 CD para crear un paisaje metálico en París.

Desde 2013, Pinar Yoldas trabaja en el proyecto Ecosystem of Excess, que aborda el fenómeno de la «gran mancha de basura del Pacífico».

ANEXO VII. Controversia Black Box- White Box

Fanáticos transmedia, cuarta clase del curso Redes para el arrastre. Análisis estético-políticos sobre Internet, a cargo de Fernando Castro, en la Casa del Lector (Matadero Madrid) el 18/03/16.

Ursula Biemann te guía por la exposición individual «Becoming Earth» en el Museo de Arte Contemporáneo de la UNAM, Ciudad de México, del 20 de abril al 13 de octubre de 2024. La exposición incluye Forest Law, Acoustic Ocean, Deep Weather, Forest Mind y Devenir Universidad.

ANEXO VIII. Ejemplos antecedentes: imagen distorsionada

Tony Oursler – The Influence Machine: Park Edition (2009)
Videoinstalación nocturna con proyecciones sobre árboles, humo y fachadas rugosas en espacios públicos.
La textura natural del soporte deforma los rostros y las imágenes, generando una sensación espectral.
Aborda ansiedad tecnológica, clima, energía y la relación entre naturaleza y medios.

Pipilotti Rist – Pixel Forest / Open My Glade (2000–ongoing)
Instalaciones de video inmersivo donde las imágenes se proyectan sobre cortinas, paredes irregulares, textiles y espacios no lisos, alterando la percepción visual.
Su imaginario orgánico, corporal y natural vincula la distorsión del soporte.

ANEXO IX. Posibles locus de exposición. Controversia site-specific versus black box-site neutral

Locus site neutral: locus universitario (Campus Segovia), Black box en plató adaptado (foto 1), o White box en hall-ágora arquitectónico (foto 2)

Locus site-specific: En Castronuño, José Hevia ha rehabilitado una antigua nave industrial para convertirla en un nuevo equipamiento municipal basado en el modelo FabLab (foto 3). El parque natural implicado, de noche, puede combinar la oscuridad Black box con site specific (foto 4). Equipamientos in situ municipales o de la Junta JCYL, igualmente combinando Black box con site specific (foto 5)

ANEXO X. Proyecto educativo: site neutral + site specific

Una videocreación site neutral, aprovechando que soy profesora Universitaria en Segovia, (foto 2) puede culminar con una 2º fase educativa de interconexión de mis alumnos universitarios con los afectados de Castronuño. Bien mediante conexión on line o visita física contigua (o no) a dicha videocreación. Aprovecho igualmente haber sido presidenta de la Asociación ecologista de Castronuño (foto 1). En esta línea también soy docente en Segovia del programa `El acueducto del saber´ que quiere acercar el conocimiento que se genera en la Universidad a los habitantes de los pueblos (foto 3)

ANEXO XI: Giro de guión: “El bosque herido” de José Antonio Abella

Los diferentes issues referidos en los anexos 1 al 10 siguientes se han concretado, a través del giro aludido por la elección de la escultura de este Anexo XI, tanto conceptual como materialmente.

Referenciado en este  Anexo XI, dicho giro se basa en el  descubrimiento de la obra Bosque herido —creada por José Antonio Abella e inspirada en su filosofía escultórica propia y del ebanista Miguel Ángel Moreno— que ha supuesto para mí un hallazgo fundamental dentro del contexto artístico y conceptual de mi trabajo.
Al encontrar esta escultura ubicada en el Campus Universitario de Segovia, experimenté una suerte de revelación que orientó de manera definitiva las decisiones formales y espaciales de mi videocreación. La presencia física y simbólica de Bosque herido no solo ocupa un lugar dentro del espacio académico, sino que dialoga con una dimensión más amplia de la memoria, la herida y la expresión artística. Este encuentro fortuito con la obra actuó como un imán creativo que decantó inmediatamente la elección site neutral para la grabación y exposición de mi proyecto audiovisual. En Bosque herido, la proyección de la imagen en textura rugosa se convierte en un elemento visual y táctil que resignifica la superficie y el objeto, pretendiendo generar una lectura sensorial profunda.
Esa rugosidad, tanto física como simbólica, resonó de manera intensa con mi propio interés por explorar superficies que hablen de impacto, de cambio y de memoria.
La forma en que la superficie de la obra recibe y transforma la luz se convirtió en un referente visual directo para plantear los encuadres y texturas dentro de mi videocreación.

La hipótesis plausible de la génesis de la escultura es que los maderos provienen de una cantera donde las sierras hicieron las marcas a dichos maderos sustentadores de piedras. La cantera la madera y la herida maquinista se mostraban así confluyentes  con los mismo leit motif del locus donde sucede la reivindicación política-conceptual de la videocreación.
Así pues, la pertinencia conceptual de esta pieza hace eco de problemáticas mucho más amplias: Bosque herido, así enfocado, se asocia explícitamente e implícitamente a la protesta contra la Gravera de Castronuño y Villafranca de Duero. Este vínculo con una causa ambiental y social nos permite resituar la obra en un terreno crítico que trasciende lo meramente estético y se inserta en discursos contemporáneos sobre territorio, identidad y ética. La denuncia implícita- explícita contra la transformación agresiva del paisaje otorga a la escultura videofilmada una voz potente que interpela al espectador.
De este modo, el contexto de protesta se convierte en un elemento estructurante del proyecto audiovisual que estoy desarrollando, alimentando su carga crítica y su profundidad simbólica. La reflexión sobre el daño, la resistencia y la memoria se entrelaza en mi trabajo con la ecología del territorio y la responsabilidad social del arte.

La fragmentación es el eje semántico de la obra. Las interrupciones y los cortes limpios en la masa vertical utilizan el espacio negativo para definir el volumen de la pieza y para formalizar el concepto de trauma. La herida en el bosque no es la destrucción total, sino una marca que reconfigura la identidad del conjunto. La obra expone la vulnerabilidad, pero el hecho de que la estructura se mantenga en pie implica una negación sutil de la soledad y el colapso.

Considerando la trayectoria de Abella como escritor de temas intensos y dramáticos, como se infiere de sus publicaciones, la «herida» escultórica trasciende lo físico. Representa un trauma profundo, ya sea social o existencial, y la composición agregada de los fragmentos sugiere que la respuesta a esa crisis es la resiliencia y la cohesión. La obra nos recuerda que la crisis es un proceso y que la superación es posible. El mantenimiento de la estructura, a pesar de los cortes, funciona como un recordatorio de la resiliencia en un espacio dedicado a la educación y la experiencia, como es el Campus María Zambrano. Nuestra propuesta además supone un homenaje póstumo a José Antonio Abella, fallecido en 2024.

En esta última propuesta parto de una experiencia personal con los campamentos de refugiados saharauis. Durante 6 veranos fui madre de acogida de un niño saharaui y ahora, ya adulto, continúa en los campamentos sin posibilidad de salir. La obra pretende trasladar esta situación que sufre él al plano colectivo y evocar un estado de espera y permanencia en el que continúan alrededor de 170.000 personas actualmente en los campos de refugiados de Tinduf.

Para ello he pensado realizar una videoinstalación en la que proyecto un vídeo sobre una melfa, entendida como un elemento simbólico del Sáhara. Sobre esta superficie textil se proyectarán imágenes de campamentos de refugiados saharauis, combinadas con un sonido ambiente suave de viento y arena, y un texto breve escrito y recitado por mí.

El vídeo se construye a partir de imágenes encontradas en YouTube, seleccionadas y transformadas mediante la edición y la proyección sobre la tela, de modo que funcionen como material poético dentro de la instalación.

A esta idea inicial, he decidido añadirle un reloj de arena y un montón de arena que irá en el suelo junto a la parte de la melfa que cuelga. También habrá un ventilador o algo que mueva la tela sutilmente. Aquí el boceto de la instalación:

Con respecto al video, he estado haciendo diferentes pruebas con diferentes fragmentos de videos encontrados en YouTube, pero finalmente creo que en esta ocasión menos es más y me voy a quedar con el más sencillo pues creo que es el que mejor transmite la sensación de espera que quiero transmitir.

Diferentes pruebas:

Posiblemente el definitivo:

¿Qué opináis vosotros? ¿Mejor el más sencillo?

Para el texto recitado he querido hacer un poema circular que remita a esa situación de espera y de que continuamente es lo mismo y nada cambia. El poema es el siguiente:

La tela,

el viento,

la arena.

Respiramos,

esperamos,

resistimos para no desaparecer.

Esperamos

Respiramos.

La arena,

el viento,

la tela.

A lo largo de la realización de la obra me han surgido diferentes dudas como por ejemplo:

La intención es compartir la espera y su situación, pero ¿realmente se entiende así?

No quiero hablar en nombre de nadie ni parecer que lo hago, por lo tanto, ¿tiene sentido que lea yo el poema? ¿Me estoy apropiando de algo? ¿Cómo hacer visible una situación sin ocupar el lugar del otro?

Ahora me queda montar todo y hacer pruebas del vídeo sobre la tela a ver cómo se ve.